Un espíritu burlón, de David Lean

Cartel cedido por Marta Navarro, mantenedora del sublime blog Entrenómadas, absolutamente recomendable.

El pasado mes de marzo se cumplieron cien años del nacimiento de David Lean, cineasta británico superlativo, consagrado maestro en la puesta en imágenes de la épica, la epopeya y la aventura, autor de filmes de leyenda, de obras maestras indiscutibles y que han ocupado no poco espacio en la memoria colectiva. ¿Quién no evoca con facilidad, con los ojos cerrados, a Peter O’Toole túnica blanca al viento danzando majestuosamente sobre el techo de un tren en medio del desierto? ¿Quién no es capaz de recrear en su cabeza un desfile de prisioneros británicos silbando al unísono camino de su campo de internamiento japonés en las selvas de Thailandia? ¿Quién no podría retratar fielmente la carga de la caballería rusa sobre los manifestantes que piden pan en las calles de Moscú mientras los opulentos burgueses cenan en sus clubes privados? ¿O las muecas extrañas de John Mills y el rostro duro de Robert Mitchum en La hija de Ryan? El cine de David Lean es uno de los más reconocibles de todos los tiempos, pero en su limitada filmografía (apenas una docena y media de filmes), son muchas más las obras maestras: Breve encuentro, Cadenas rotas, Pasaje a la India, su última película, ya en 1984… Incluso su proyecto inacabado, Nostromo, basado en la obra de Joseph Conrad.

Y entre su filmografía menor, destaca esta pequeña joya de la comedia, uno de los mayores hitos de la comedia británica de todos los tiempos, realizada antes de su magistral Breve encuentro. Tanto en ésta como en Un espíritu burlón (y en su obra anterior, This happy breed), David Lean se apoya en textos teatrales del gran dramaturgo Noel Coward (en este caso una obra escrita durante una semana de vacaciones del autor en Gales), exitosamente representados durante mucho tiempo en el West End londinense. Un espíritu burlón es una comedia hilarante en la que el ingenio y los diálogos chispeantes, agudos e irónicos campan a sus anchas. La película, cuyo título proviene de un poema del autor romántico Percy Bhysse Shelley, cuenta la historia de Charles (Rex Harrison), un novelista con cierto prestigio que planea casarse en segundas nupcias con la bella Ruth (Constance Cummings). Sin embargo, el fantasma de su primera esposa, Elvira (Kay Hammond) comienza a aparecerse, a atormentarle y a hostigarle para dilapidar uno tras otro todos los proyectos que tiene planeados junto a su novia. Charles intenta desesperadamente seguir adelante con su boda, pero se muestra impotente una y otra vez frente a las diversas argucias con las que Elvira va incrementando por momentos su pequeña venganza. Pero sin duda la película se la lleva de calle el personaje de Madame Arcati (Margaret Rutherford), la excéntrica y alocada médium a la que Charles recurre para intentar deshacerse de la incómoda y espectral presencia de su primera esposa. Rutherford tiene las mejores frases, protagoniza las mejores secuencias y realiza un despliegue cómico entre el gag y el humor negro que pocas veces puede verse en el cine personificado en una actriz. Está sencillamente magistral y es uno de los grandes alicientes para disfrutar con la película.

Comedia deliciosa, agradable inteligente, muy aguda y de ritmo vertiginoso (sus 96 minutos saben a muy poco), consigue plasmar en lenguaje cinematográfico todo el imaginario fantástico que había ideado Coward en una obra que tuvo el récord de número continuado de representaciones teatrales en Londres hasta los años setenta, con dos mil representaciones. Especialmente destaca la utilización de unos efectos especiales puramente artesanales que obtuvieron el Oscar en los premios de la Academia de ese año y que resultan verdaderamente sorprendentes para una película en color de 1945. Pero sin duda son los actores, especialmente Rutherford, y la facilidad con la que encajan en el tratamiento ligero, irónico, agudo, un tanto cínico de la trama los que elevan la película a la categoría de una de las mejores comedias jamás filmadas, un género a priori no muy adecuado para Lean y al que no volverá a dedicarse plenamente en el resto de su filmografía, probablemente a causa de un cierto número de críticas que reseñaron su inferioridad con respecto a la obra teatral que hicieron a Lean desconfiar de sus dotes para la comedia.

Una de las grandes virtudes de la cinta, no obstante, no puede separarse del momento histórico de su estreno, la Gran Bretaña de 1945, recién terminada la Segunda Guerra Mundial y en un país cuya población civil, a diferencia de los Estados Unidos, sí había tenido que sufrir directamente los acontecimientos violentos de aquellos años (bombardeos, ataques, amenazas de invasión, sabotajes…), y para el que el cine y el teatro suponían una evasión impresncindible en unos momentos en que la amenaza directa de destrucción se había mitigado pero cuya lucha contra el racionamiento, la carestía, la escasez y la falta de trabajo duraría aún varios años. En particular, resulta realmente digno de mencionar el tratamiento jocoso que hacen Coward y Lean de la muerte justo tras un conflicto en el que habían perdido la vida decenas de millones de personas, algunos de ellos británicos. En lugar de un drama truculento, sombrío, sentido, sobre la muerte, obsequiaron al público con una comedia en la que una muerta bastante particular vuelve entre los vivos para atormentar sutil y sibilinamente a un marido al que incluso desde el otro lado no ha podido olvidar, en lo que constituye un valiente intento de desdramatización de las tristes circunstancias recientes por aquellas fechas que no todos los críticos entendieron. Sin embargo, la película vista hoy permite disfrutar de hora y media de entretenimiento inteligente, buenos diálogos y buenos actores de la mejor tradición británica que ofrecen una más que notable muestra de uno de los géneros más exitosos y perfeccionados por aquella cinematográfia, la comedia, muchas de cuyas mejores muestras vieron la luz en los estudios británicos desde los años 30 hasta bien entrados los sesenta.