Cine para soñar – El fantasma de la ópera

Se dice que en las antiguas mazmorras medievales, en los pasadizos y corredores subterráneos que existen en el edificio de la majestuosa Ópera Garnier de París, construido a mediados del siglo XIX sobre una antigua zona pantanosa y abandonada, habita un fantasma. Todos los que no frecuentan la Ópera o trabajan allí se ríen cuando escuchan la historia. Lo mismo hacen los nuevos propietarios cuando en el acto de la compraventa los antiguos dueños les advierten de su existencia. Pero la risa se torna en mueca de horror cuando empiezan a recibir cartas del supuesto fantasma, en las que les plantea un chantaje. El fantasma está enamorado de Christine, una prometedora cantante eclipsada por la gran diva Carlotta, y amenaza con provocar catástrofes sin límite si Christine no sustituye a Carlotta en el escenario. Los propietarios se niegan a someterse a las presiones, pero dos extraños accidentes que sufre Carlotta terminan por colocar a Christine como prima donna de la Ópera de París. El fantasma saborea su triunfo, pero Christine está prometida a Raoul, militar de carrera con parientes en las altas esferas y con un futuro halagüeño por delante…
Este es el planteamiento inicial de la película El fantasma de la Ópera, dirigida por Rupert Julian (y otros, entre ellos el propio protagonista, el legendario Lon Chaney) en 1925, basada en la novela del mismo título escrita por el parisino Gaston Leroux, de cuya muerte se cumplen hoy 80 años.


La película, al igual que la novela, tiene un argumento absolutamente chirriante a cada nuevo giro. Tanto la legendaria creación de Erik, auténtico nombre del fantasma, que resulta increíble, inverosímil, y mucho más aún su interminable lista de vivencias, como el hecho de que una persona habite en semejantes estancias que supuestamente están en las catacumbas de París, con todos esos pasos secretos, estancias, trampas, señuelos, lugares laberínticos y recónditos, e incluso el gran órgano que el fantasma toca a modo de lamento perenne, son realmente imposibles de tragar. Eso, si no fuera por la majestuosidad, suntuosidad, encanto y poder incontenible de atracción que generan tanto la figura central, el fantasma, y la maestría de su recreación por Lon Chaney (quien incluso diseñó su maquillaje), como el marco en que se desarrolla la trama: el edificio de la Ópera, los amplios salones de baile, los tenebrosos sótanos, pasos y alcantarillas. En resumen, que personajes planos y arquetípicos, alguno especialmente odioso (el lloriqueante Raoul, sobre todo), se mueven a través de escenarios majestuosos, que por sí sólo justifican planos enteros y disimulan algo lo endeble de la verosimilitud de la historia.

Tres son los momentos más espectaculares de la película: cuando el fantasma hace tambalear y caer la inmensa lámpara colgante sobre el patio de butacas de la Ópera, el gran baile de máscaras al que el fantasma acude vestido de La Muerte Roja de Edgar A. Poe, y sobre todo, el momento en que Christine arranca la careta al fantasma mientras éste aporrea el órgano. La contemplación del rostro del fantasma aterroriza a Christine, y constituye uno de los momentos clave del cine de terror de todos los tiempos. La recreación de Lon Chaney es magistral. Por asustarse, se asusta hasta la cámara, que en ese momento pierde hasta el enfoque.
La razón de que esta película sea recordada no es otra que Lon Chaney, que murió muy pocos años después. Consigue una recreación de un hombre violento, despechado, consumido por el rechazo a su terrorífica faz, que nunca encontró abierta la vía de la comprensión y el amor, y busca provocarlas por la fuerza, como si dijera: si no me aman, al menos que me teman. Uno de los rótulos de diálogo dice: «Estás bailando sobre las tumbas de hombres torturados».
Junto a este motivo aparece otro: en el baile de máscaras, por un breve instante, el traje de La Muerte Roja que viste el fantasma, se torna en ¡auténtico rojo de technicolor! Recuerdo que estamos hablando de 1925, diez años antes de la primera película rodada íntegramente en color, y catorce años antes de la apoteosis del color en Lo que el viento se llevó.
Además de que el papel de policía está interpretado por el futuro gran productor y cineasta Irving Thalberg, por otro lado, hay otra curiosidad. La cama en forma de nave vikinga en la que el fantasma acuesta a Christine, es la misma que hay en la casa de Norma Desmond en Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses), de Billy Wilder, de 1950.
Otra de las razones de que esta película se recuerde la tiene el vomitivo musical de Andrew Lloyd Wright. El hecho de ponerle música a esta historia hasta el punto de convertirla en una simple patochada de amor no correspondido, de buenas intenciones truncadas y de rechazo físico terminando con un mensaje moralista encaminado a la conveniencia de mirar hacia el interior de las personas para aprender a respetarlas y quererlas, elimina toda la carga psicológica, toda la fuerza y todo el terror que inspira la película. Es como si Elvis Presley hubiera compuesto un musical cuyo protagonista fuera Norman Bates, de Psicosis.
Esa plasmación psicológica, aderezada con una narración repleta de giros y aventuras propia de los folletines y las novelas por entregas, era lo que buscaba el autor, Gaston Leroux. Por ello ganó gran fama en su tiempo gracias a sus novelas de aventuras y policiacas tales como El misterio del cuarto amarillo , de 1907. Entre sus mejores relatos se encuentra El hacha de oro, un cuento corto en el que impera el elemento enigmático que va sumiendo al lector en una atmósfera de intriga, un efectismo que provocaría su rechazo por la crítica de la época. Mientras se dedicaba a su vocación literaria, trabajó en el periodico L’Echo de París y en Le Matin. Viajó como reportero por Escandinavia, Asia y el norte de África, e incluso asistió como cronista a las primeras etapas de la revolución rusa. A pesar de su trabajo como periodista tuvo tiempo para escribir cuatro novelas que fueron publicadas como cuentos por entregas en periódicos de París.
Falleció tal día como hoy hace 80 años.